BIG BAND

BIG BAND照字面翻譯就是大樂團。是爵士樂的一種表現手法。如果看過電影"啞巴歌手"，就可以想像當女主角Little Voice的靈感一來，隨性的唱出腦海裡閃過的爵士名伶的經典作品，身後的樂手開始加入伴奏，整個氣氛因此熱鬧了起來。在興奮之餘，甚至還會站起身來大展身手。那樣的畫面、那樣的伴奏編制就叫做BIG BAND。

會有哪些樂器(分部、組)出現在這樣的BIG BAND編制裡面？最常見的就是以下幾種：
簧片樂器，也就是需要一種特殊的簧片吹嘴來發聲的管樂器，像是單簧管、薩克斯風。
銅管樂器，這是最重要的部份，銅管樂器那種金屬明亮的聲響，是鼓動氣氛的重要元素之一。當然還有很多不同的技巧營造出的情緒變化。樂器像是有小號、長號(伸縮號)、低音號(tuba、bass)、法國號。有機會真的要聽聽銅管合奏，你會被感動！
節奏樂器，鋼琴、爵士鼓、拉丁鼓、低音大提琴(bass，演奏者站著，用彈撥的方式來演奏)、其他的敲擊樂器(如果要加入拉丁風格，就需要很多敲擊樂器來表現那種嘉年華的感覺)
另外偶爾會加入一些提琴來配搭。

Big Band風格，聽起來就是歡愉、熱鬧、讓你想要隨著音樂起舞。在爵士樂的領域中，可能會跟搖擺樂(Swing)一起討論，或是劃上等號，不過這就留給爵士迷來去詮釋。在流行音樂當中，有時候會出現這樣風格的作品來當做點綴，讓專輯風格多元之外，也展現歌手可愛、俏皮的一面。

延伸聆聽，相信透過這些大家熟悉歌曲的舉例，馬上就可以抓到Big Band的感覺。
F.I.R./Love*3
曹格/三七二十一
莫文蔚/愛我的請舉手/
陳小春/情瘤感菌/
椎名林檎/純潔的真夜
椎名林檎 ft. 椎名純平/世界的盡頭
自然捲/老處女/

另外，Robbie Williams(羅比威廉斯)在發行Sing When You're Winning(唱者為王)流行音樂專輯之後，幽默卻認真的製作發行了Swing When You're Winning(搖搖領先)，在專輯發行之前，是因為為電影[BJ單身日記]電影原聲帶灌錄了"Have You Met Miss Jones"(本身就是一首Big Band風格的爵士歌曲)，受到廣大迴響之後，就製作了這張"搖搖領先"專輯。重新詮釋了許多經典爵士曲目、找來許多巨星合唱、更找來了走過爵士風光歲月年代、曾經與法蘭克辛納屈合作的老樂手(現在幾乎都已經是七十多歲的老爺爺了)，共同灌錄這張音樂作品。很妙，也很好聽的一張專輯！

現在有Youtube真方便，直接把歌曲找來讓大家感受一下啦！
Robbie Williams：Mack The Knife


椎名林檎：真夜中は純潔


椎名林檎 ft. 椎名純平：世界的盡頭


莫文蔚：愛我的請舉手


陳小春：情瘤感菌


F.I.R.：Love*3


曹格：三七二十一

BOSSA NOVA 

拉丁美洲音樂與爵士的甜美融合  因著電影全球注目

因為小野麗莎而愛上這樣的音樂類型嗎？還是因為村上春樹的小說呢？
小野麗莎雖然是日本人，但是生長在巴西，這個充滿熱帶風情與色彩的拉丁美洲國家，
因此，說到小野麗莎擅長的Bossa Nova曲風，就要從拉丁音樂來切入。

Bossa Nova被歸類在爵士音樂底下的一個分支，以爵士為底，加入了拉丁美洲的音樂色彩。先來看看拉丁美洲的音樂怎麼"滲透"到爵士樂中。在一九三零年代，一些古巴的黑人樂手移居到紐約，帶著家鄉熱情、激昂、歡樂的拉丁音樂，影響著紐約的爵士音樂人(當時正流行美國西岸的cool-toned酷派爵士)。許多爵士樂團的音樂，吸取了這樣的拉丁音樂編曲，誕生了所謂的"拉丁爵士"，泛指那些在爵士音樂當中，融合了古巴的salsa騷沙、mambo曼波，巴西的samba森巴等南美諸國、加勒比海的音樂風格。

Bossa Nova(巴沙諾瓦)是葡萄牙文，字面上的翻譯為"雙人舞曲 新節奏"，是巴西的samba森巴音樂，來到了美國西岸與酷派爵士融合後的新變型。吉他輕刷來取代低音貝斯，輕敲鼓邊取代鼓打節奏，音樂的感覺頓時變得輕盈起來。少了森巴的濃烈熱情，復加上慵懶的酷派爵士，Bossa Nova成為一種新鮮卻不失拉丁陽光般溫暖的新曲風。

Bossa Nova在一九五零年代先在巴西本地廣受歡迎。由巴西作曲家Antonio Carlos Jobim創作的"The Gril From Ipanema伊帕內瑪姑娘"，在巴西大受歡迎，大街小巷都可以聽到這首歌曲。在五六零年代交替之際，一位美國的作詞家在南美旅行的時候，聽到這首歌大為喜愛，特地拜訪了Antonio Carlos Jobim與原唱(是一位吉他手)Joao Gilberto(他老婆也是相當知名的Bossa Nova歌手：Astrud Gilberto)，引薦他們的音樂到美國音樂市場。

後來在1963年，美國一位薩克斯風手Stan Getz史坦蓋茲，就找來這兩位巴西音樂人共同製作專輯。為了這張專輯在美國市場更加的討喜，所以除了葡萄牙文的原曲之外，需要加入英文歌詞。但負責演唱的Joao Gilberto不熟悉英語，於是找來了Joao Gilberto的老婆Astrud Gilberto來試唱，不太有職業演唱經驗的Astrud Gilberto在詮釋老公原唱的"The Girl From Ipanema"，竟然有出奇的效果，慵懶、稚嫩又飄渺的嗓音，讓歌曲聽起來不但充滿異國風情，而且毫無壓力，就像是躺在雲朵上吃著棉花糖般的奇妙。於是這張一九六三年發行的專輯"Getz/Gilberto"在美國大受歡迎，除了在Billboard告示牌排行榜TOP 5停留達十二週之久，更曾經衝上第二名，與當時稱冠的披頭四互別苗頭，後來也在排行榜上停留長達九十六週的時間，可見Bossa Nova已成功的打入美國流行音樂市場。

而至於受到全球的注意，除了美國流行音樂廣大的影響之外，在一九五九年的法國電影"Black Orpheus黑色奧菲斯"，分別在金球獎、奧斯卡獎、坎城影展中，均獲得最佳外語片獎有關。在片中的配樂，就是找來了Antonio Carlos Jobim共同合作，充滿濃濃的Bossa Nova風情，電影原聲帶也因著電影受到全球影迷、樂迷的喜愛。

在巴西有許多的日本移民，初期是農民為了更好的生活，後來是二次大戰後的難民。這樣的音樂，也在六零年代開始帶回日本，也在日本大受歡迎。所以我們從小野麗莎這位出生自巴西的日本人，認識了Bossa Nova音樂，不是沒有道理的！除了小野麗莎之外，一些在台灣知名的日本爵士樂手或歌手，也相當擅長Bossa Nova曲風。像是渡邊貞夫就被視為日本推動Bossa Nova的重要人物，還有李敬子、鈴木重子等。

在台灣，一些Bossa Nova編曲的作品，大多藏在專輯中作為點綴用的小品，很少拿來當作頭兩波主打。或是以這樣的曲風為主體的專輯製作。不過令人驚喜的是音樂創作人黃韻玲，在2002年發行的一張"黃韻玲@巴結音樂"，挑選了自出道以來各張專輯中Bossa Nova(巴)與Jazz(結)曲風的創作，集結成這張"黃韻玲@巴結音樂"。除了可以聽到這樣的音樂曲風之外，更是可以聽到音樂人的成長蛻變與所帶出的生活哲學、態度，相當有意思。

延伸聆聽：
除了黃韻玲的作品之外，介紹一些台灣流行音樂中Bossa Nova曲風的作品，不妨試著翻出專輯來聽聽看，感受一下猶如夏天微風、冬日暖陽般的Bossa Nova音樂：
鄭瓊之/跳一隻舞/那個女孩/全員集合/2001(不有名，但很好聽，台語的)
孫燕姿/一樣的夏天/Leave/華納/2002
張秀卿/卻上心頭/卻上心頭/銳音/2000(台語歌后翻唱國語歌，正點)
蔡淳加/好女人/日出/華納/2004(2006年發行的等一個晴天精選中有收錄，創作者為旺福的姚小民)
潘瑋柏 ft. 王珞丹/戴上我的愛/反轉地球/環球/2006
李泉 ft. 盧巧音/眼色/劃火柴的女孩/新力博德曼/2006

寫這篇文章的時候，咖啡館正播放著小野麗莎的歌曲，噢噢噢，真開心。

Blues

藍調   黑奴、棉花淚、流浪、搖滾樂之母、生命的歌聲

在十九世紀末期，美國南方的密西西比、阿拉巴馬、路易斯安那、德州這四大州有著密西西比河貫流其間，在墨西哥灣的出海口形成肥沃的密西西比三角洲(Mississippi Delta)，這裡盛產棉花，而當時許多非洲人被當作奴隸販賣到這些地方來，成為所謂的黑奴。這些來到美國的非洲人，他們心中的不滿、苦悶，只能在農暇之餘偷偷的吟唱家鄉的曲調，訴說著自己悲慘的遭遇。所以藍調給人一種憂鬱的感覺，也有著這樣的歷史背景。一代代非裔美國人，以口傳的方式，延續這些歌曲的生命。

在美國南方這些棉花墾殖地帶，也慢慢出現一些音樂酒吧，服務這些四處遷徙的非洲裔美國人。這些酒吧當時被稱做Roadhouse、Juke-Joint或Barrelhouse，在這裡可以喝酒，聽樂手唱歌。一些有才華的黑人歌手，也帶著吉他四處演唱，漂流的生活也讓這些歌手接觸各地的民風與不同的音樂型態。這樣的發展，也出現在美國北方以工業起家的大城市：底特律、芝加哥地區。漸漸也與美國民謠(folk)、鄉村樂激盪出新的藍調混合品種。

在一九二零、三零年代，這些不同區域的音樂酒吧中，有些樂手開始有了名氣，也因著這些區域性，藍調音樂有著不同的風格，現在許多喜愛藍調音樂所熟悉的藍調流派，也因此誕生。像是Delta Blues(三角洲藍調)、Chicago Blues(芝加哥藍調)、Texas Blues(德州藍調)，或結合不同的音樂類型而激盪出的Jazz Blues(爵士藍調)、Country Blues(鄉村藍調)。

二次世界大戰之後(一九四零年代以降)，不同的藍調音樂流派不斷發展，在這些黑人藍調歌手中，以Muddy Waters(馬帝瓦特斯1915-1983)，帶給現代藍調音樂的影響最著。Muddy Waters將Delta Blues帶到了芝加哥，以"電吉他"來演奏，展開藍調音樂新的領域，或是說開啟白人世界中，搖滾樂的新天地。Muddy Waters的一曲"Rolling Stone"，就是現在搖滾樂壇中知名的"滾石合唱團"團名的由來。

這篇盧很久，一來不太熟悉，(雖然很喜歡Eric Clapton，但是白人)，另外也是台灣流行音樂很少純藍調的作品。(如果您有聽過台灣很藍調的東西，拜託!!!介紹一下吧)。所以簡單的介紹藍調的起源與發展歷史，在台灣流行音樂當中有些難舉例。畢竟這與美國的發展歷史有關，就像在美國可能找不太到有人唱南北管。但是從精神層面來看，唱出社會底層痛苦、被剝削，且因此更為生活化的音樂精神，南北管，可以說是台灣的藍調音樂吧。

前年有張主流音樂專輯發行，果仔很喜歡，也多少可以聽到一些藍調音樂的元素，鄉村藍調、藍調的靈歌、爵士藍調等，很令人驚喜，而專輯中的精神，也真夠藍調，蘊藏歌手對於自己生活的反芻，轉化成為精鍊的歌詞與曲調，感動著聆聽者，有興趣的朋友不妨找來聽聽，戴佩妮的"愛瘋了"專輯。

至於現在主流音樂市場裡，受到許多朋友喜愛的"節奏藍調"，就留到"R"的部份再介紹囉，呵呵。

BALLAD

有時候會罵人：香蕉你個芭樂。樂壇當中大家也常常聽到芭樂歌、芭樂歌，為什麼要叫芭樂，不叫做香蕉呢？呵呵，這就是我們台灣人的創意啦。Ballad，翻翻字典，指的是民歌、民謠，後來慢慢泛指那些節奏舒緩的抒情歌曲，台灣直接翻譯成我們常說的--芭樂歌。

這樣的慢板抒情歌曲，因為歌詞貼近普羅大眾的感情生活、也讓聆聽者陶醉其中而膾炙人口。一但有利可圖，自然會被營利導向的唱片公司選為主打單曲，慢慢衍伸出一套公式，歌詞內容大同小異、編曲上也制式化。這樣的作品一多，難免變得有些無病呻吟、一成不變的感覺，難怪MC Hotdog兄忍不住跳出來大罵這些歌曲真是他X的爛芭樂。

不要因為熱狗兄跳出來唱點實話，就毀了大家對於Ballad的印象。這樣難免有失公平。Ballad在國內外的唱片市場都是主流，而國語抒情更是大宗，會受到大眾的歡迎必定有它的道理。對於有心的音樂創作者來說，要在滿地爛芭樂中，去創作出一首好芭樂，也是很大的挑戰。可能在編曲上有新的感覺，詞意的切入點，可能要更有不同的切入點與拿捏。

所以當我們聽到慢板的抒情歌曲時，我們都可以說，啊，這是Ballad。也不需要去分什麼好壞芭樂歌，因為各取所需、各有市場、各有巧妙。所以當某首Ballad在聆聽時，會勾起你心底的一些故事、一些共鳴、一些好感，這就是你自己的好芭樂啦，讓自己有些私密的情感，託付在這些歌曲當中，也是有益身心健康的。

而Ballad在國外流行音樂當中，也是指氣氛較寧靜或緩和的抒情作品。有時候我們會在唱片行看到一些搖滾樂團的精選，上面寫著"The best ballads of XXX"，意思就是XXX樂團的情歌精選。打個比方說好了，有張"The best ballads of 五月天"，裡面的歌曲就不會收錄"尬車"、"啾啾啾"、"叫我第一名"之類的high搖滾，反倒是"溫柔"、"相信"、"超人"、"純真"，這類的緩和慢板抒情作品就會收錄在裡面。

AMBIENT

有人說它是"氛圍電子樂"、"環境音樂"，ambient字面的意思是環繞的、週遭的。
而運用在音樂當中，簡單的說，就是加入了除了音樂之外的環境音效，
像是飛機的聲音、電話聲、流水、雨聲，都可能運用在這些音樂當中，
在聆聽時，營造出不同的氣氛與空間感。
有人把他歸類在電音當中，但是它的發展是從古典樂，到現代室內樂，再演化為ambient，
不一定要用到所謂的電子樂器。
有時在舞廳中會播放這類型的音樂，用意是讓舞客情緒紓緩，也營造不同的氣氛，
有Chill Out的意味。

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以上是對於ambient簡單的介紹，
接下來有興趣，我們來看看這樣的音樂怎麼來的。

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在大家的習慣印象當中，歌曲一定要有歌手唱歌、有音樂彈奏。如果你看到歌手在台上靜靜的站著，就這樣靜靜的呆著，一首歌曲的長度，你會有什麼想法呢？但是因為這首歌曲"沒有聲音"，在台下的你，會聽到什麼樣"其他的聲音"，是你平常沒注意到的？

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在五○、六○年代，英國有位音樂家John Cage，他有首有名的作品，叫做"四分三十三秒(4'33")"。這位John Cage邀請他長期合作的鋼琴手，來表演這首曲子。John Cage請這鋼琴手帶著時鐘上舞台，然後坐在鋼琴前靜靜的看著時鐘，什麼也不彈奏，一直到四分三十三秒的時候，起身下臺。

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如果你是台下的欣賞者，會有著怎樣的反應呢？想想看，很好玩的。
可能會開始覺得怪怪的，然後可能開始有些不安，甚至聽到隔壁的人，不耐煩的更換著坐姿，
接下來可能聽到許多窸窸窣窣交頭接耳討論的聲音，談著這"不尋常"的現象。
這許許多多雜亂的聲音，在不安的氣氛下，迴盪在這表演廳裡頭，
同時John Cage就將這些聲音錄製起來。

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假若我們將音樂表演的定義，解釋為：表演者透過"行為"，引發出"聲音"，讓人聽見與感受。
那麼，這首"四分三十三秒"，在台下的聽眾都變成了"樂器"，被鋼琴手的"行為"，引發出了許許多多的"聲音"，這麼想想，在這空間裡迴盪的許許多多的聲音集合起來，真的是一首很妙的"聲音作品"吧！

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所以，在聽這首"四分三十三秒"的作品時，聆聽者只會聽到長達四分三十三秒的"環境聲音"。
John Cage就是想要大家感受這種"身歷其境"的感覺，聽到在這空間環境中各種不同的聲音。而Ambient音樂類型的概念，由此而產生。但真正帶出Ambient的，是Brian Eno(1948)。他在藝術學校唸書時，學校介紹他與許多當代音樂、極簡樂派、實驗性的音樂人一同工作，其中就包括了John Cage。所以這種對於聲音的概念與想法，影響著Brian Eno。Eno在當時也使用他的樂器--卡帶式錄音機，來進行各種"實驗"。

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在1975年的時候，一場車禍，讓Eno躺在醫院好幾個月，而在這段期間也成就了他影響樂壇最深的發明：ambient music誕生。有天，他躺在床上，打開身旁的唱機來聽，當時窗外下著雨，窗外下著暴風雨。風雨聲讓音樂的聲音變得模糊，聽不出來是什麼樣的曲子、聽不出來已經唱到哪一首了，只聽見風雨聲、音樂聲，佈滿在整個空間裡。他發現音樂是可以加入光影或色彩。曲調不一定是主體，而環境音效是可以讓音樂帶出不同的氛圍與空間感，而在音樂上ambient"環境、環繞"的意思，就是這些特色的代表。

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出院後，Eno也不斷著手進行這種實驗性的音樂，並讓這樣的概念與想法更趨成熟完整。在1978年，Eno發表首張以ambient為名的專輯，也算是首張ambient muic原型代表專輯--Ambient 1：Music for Airport。

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ps.Ambient 1：Music for Airport，這張專輯雖然果仔還沒聽過，但是看了介紹覺得很有趣，它是為了那些因害怕搭飛機、對墜機有著不理性恐懼的旅客，所設計的一張專輯，目的是為了舒緩與鎮定他們的情緒。頓時就覺得好想找來聽聽看。

延伸聆聽：
果仔這類型的音樂聽得不多，有機會可以多聽聽小樹的Chill Out Zone節目。
如果說要抓到Ambient這樣的原則跟精神，從國語流行音樂當中來舉例的話，
其實有個好例子建議大家，就是在陶吉吉首張同名專輯當中的最後一個track，
如果你是mp3當漏客，可能沒有辦法享受到這樣的福利，呵呵。
這段音樂沒有名字，果仔不多說，自己去找來聽聽看，去感受一下就知道了，
我很喜歡那段音樂。